Этот художник в своём завещании
Содержание
- Адвокат скончавшегося Заграевского рассказала о завещании художника
- Заграевский предчувствовал скорый уход: художник оставил завещание перед внезапной смертью
- Этот художник в своём завещании
- Завещание художника Левитана
- Напутствие художнику — 2
- Этот художник в своём завещании
- Этот художник в своём завещании
Так же произошло и с пятью картинами Климта: они остались в Австрийской галерее – в обмен на то, что наследники Блох-Бауэров получили возможность вывезти основную часть коллекции.Казалось бы, в истории можно было поставить точку, но в 1998 году Австрия приняла Закон о реституции предметов искусства, который обязывал вернуть произведения искусства, разграбленные нацистами, и позволял любому гражданину запросить в музеях информацию о том, каким путем произведения искусства попали в их фонды.
Кроме того, фактически было нарушено завещание самой Адели Блох-Бауэр, которая пожелала передать картины Австрийской галерее. Парадоксально, но волю Адели как бы выполнил нацистский режим, передав галерее картины Климта. Надо отметить, что портреты Адели, несмотря на разгул антисемитизма в Австрии того времени, выставлялись в музее и во времена нацизма.
Фердинанд Блох-Бауэр умер 13 ноября 1945 г. в Цюрихе. Перед смертью он отменил в своём завещании дарение картин австрийским музеям.Поскольку у Фердинанда и Адели детей не было, наследниками Фердинанд назначил детей своего брата – Марию Альтман, Луизу Гутманн и Роберта Бентли. Незадолго до своей смерти он нанял венского адвоката Ринеша для защиты интересов наследников.
У Марии Альтман был редкий шанс войти в историю Австрии, проявив благородство и оставив полотна Климта на его родине. Конечно, не безвозмездно, ведь первоначальная оценка в 150 млн. долларов рассматривалась в Австрии как справедливая компенсация. Однако последующий взлет цены в два раза и неуступчивость Альтман, конечно, не прибавили симпатии к этой пожилой женщине на родине художника.
Изящная женская фигурка сидит в кресле. Свободного пространства над и под ней нет, она занимает всю вертикаль картины. Изображение головы кажется обрезанным вверху. Чёрные, убранные наверх волосы и непропорционально большой красный рот контрастируют с чрезвычайно бледной, почти бело-голубой кожей.
Адвокат скончавшегося Заграевского рассказала о завещании художника
Теперь после смерти знаменитого отца наследники от разных браков заботятся о престарелой матери Заграевского. По словам юриста, мужчина всех учел при дележке наследства и не оставил никаких тайн — накануне ухода из жизни творец посетил телешоу, где сделал чистосердечное признание, сказав, что у него подрастает два внебрачных ребенка. Однако всех четырех ребят плодовитый отец смог подружить между собой.
Напомним, что мужчина скончался в ночь на 6 июля. Сергею было 55 лет. По словам Озолиной, причиной смерти стало сердце, однако точный диагноз раскрывать не стала. Вдова Заграевского в свою очередь сообщила, что художник умер от сердечно-сосудистой недостаточности.
Ранее НЕВСКИЕ НОВОСТИ писали, что сторонники конспирологии связали смерть живописца с недавней кончиной Юлии Норкиной. У интернет-пользователей даже появилась теория, что две смерти не были случайностью, ведь Норкина и Заграевский были в натянутых отношениях с бывшей женой Армена Джигарханяна Виталиной Цымбалюк-Романовской. В самых смелых предположениях появились версии о причастности Цымбалюк-Романовской к уходу из жизни двоих людей. Доказательств подобной версии нет, но фантазию пользователей Сети не остановить.
Во все времена добраться до главы государства непросто. Мало было подать прошение, необходимо добиться положительного решения. Вот за это непростое дело и взялся Рукавишников. Начав с посещения московского генерал-губернатора великого князя Сергея Александровича, он добился сопроводительной бумаги на имя главноуправляющего канцелярией Его Императорского Величества по принятию прошений, на Высочайшее имя приносимых: «Сочувственно относясь к ходатайству душеприказчиков П.М. Третьякова, поставленных в невозможность исполнить волю почившего, я имею честь просить Ваше Превосходительство повергнуть ходатайство их на все- милостливейшее воззрение Государя Императора и исходатайствовать у его императорского величества высочайшее разрешение на приведение в исполнение ими прилагаемого при сем домашнего духовного завещания Третьякова»[10].
Е.К. Дмитриева пишет: «Вся Москва тогда была захвачена этим делом, — и само завещание, какое великолепное, редкостное — сколько, сколько людей в нем заинтересовано! И эта ужасная ошибка! Все с замиранием сердца ожидали возвращения отца моего из Петербурга в Москву, все-таки надеясь сильно на его недюжинный ум, красноречие и необыкновенную энергию! Восхваления ему тогда за такую громадную заслугу перед Галереей, всеми получающими от Павла Михайловича, перед памятью его самого и благодарности «патриотической» не было конца! Он сам, оценивая свой поступок, по скромности своей, говорил, что сделал то, что необходимо было сделать, что он старался всеми силами сдержать данное слово Павлу Михайловичу, что совесть его и уважение к памяти и воле Павла Михайловича помогали ему в трудностях и бодрили его». Дальнейшие формальности были делом времени. 24 августа 1899 года «Окружной суд определяет: во исполнение высочайшего повеления, последовавшего 28 июля 1899 года, домашнее духовное завещание Потомственного почетного гражданина Коммерции Советника Павла Михайловича Третьякова утвердить к исполнению»[18].
Приумножив завещанную сумму процентами, Московское купеческое общество по проекту С.У. Соловьева выстроило богадельню им. П.М. Третьякова[20], которая была открыта в 1907 году. После смерти Михаила Павловича Третьякова, последовавшей в 1912 году, 200 000 рублей поступило в распоряжение Московской городской думы, которая приняла решение (согласно завещанию П.М. Третьякова) использовать деньги на устройство и содержание приюта для слабоумных. Возведение двухэтажного корпуса приюта начато в 1914 году, в 1916-м работы были приостановлены[21], завершить строительство так и не удалось.
Казалось, предусмотрено все, отдельно упомянуты иконы из семейного собрания, картины, отправленные на выставки: «Собрание древней русской живописи (иконы) и художественные издания, какие останутся в моей квартире, также принадлежащие мне картины, могущие находиться в квартире или на выставках, передать Московской городской художественной имени братьев Третьяковых галерее». Однако домашнее завещание, составленное 6 сентября 1896 года, никак не удавалось утвердить. Более того, 15 марта 1899 года Московский окружной суд вынес определение, в котором окончательно отказал в утверждении завещания. При этом пострадала не только «Городская художественная галерея П. и С. Третьяковых». Много благотворительствуя при жизни, Павел Михайлович Третьяков хотел завещать на это крупные суммы: 200 000 рублей планировалось выделить Московской городской думе для поддержания процентами с этой суммы Арнольдовского училища глухонемых в Москве[5], всем служащим училища завещались отдельные денежные суммы; 150 000 рублей было предназначено для устройства и содержания на месте бывшего дома Крылова бесплатных квартир для вдов и сирот русских художников (сам этот дом в Лаврушинском переулке был также завещан городу Москве для создания приюта). Московскому купеческому обществу выделялись средства для устройства мужской и женской богаделен. Должны были быть учреждены стипендии в Московском университете, Московской консерватории, Московском и Александровском коммерческих училищах, Московских мещанских училищах.
Итак, 15 марта 1 899 года Московский окружной суд отказался утвердить завещание. 26 марта 1899 года скончалась тяжело больная Вера Николаевна — вдова Павла Михайловича Третьякова. Официальными наследниками оказались их единственный сын — больной Михаил и четыре дочери, бывшие к тому времени уже замужем[9]. По завещанию, все они получали свою долю имущества. Обратим особое внимание на строки завещания, посвященные Михаилу: «Сыну моему Михаилу двести тысяч рублей в пожизненное пользование процентами с этой суммы; капитал внести в какое-либо кредитное учреждение или приобрести процентных бумаг и учредить опеку. По смерти его, капитал этот должен перейти в собственность города Москвы для учреждения и содержания приюта для слабоумных на столько лиц, на сколько позволит капитал». Сам Павел Михайлович, страдая от осознания тяжелой болезни единственного наследника, неспособного продолжить торговое дело, считал обязательным установить опеку в случае необходимости. А по закону получалось, что Михаил Павлович получит все, или почти все, состояние Третьяковых.
Заграевский предчувствовал скорый уход: художник оставил завещание перед внезапной смертью
Сергей Заграевский скончался в начале этой недели. Для поклонников и друзей художника его уход стал настоящим шоком. Однако, как удалось, выяснить «МК» звезда шоу «Пусть говорят» предчувствовал трагедию. Сердце академика Академии художеств остановилось на 56 году жизни.
«Сергей был человеком уникальным, очень многое сделал в жизни, никогда не тратил время зря, — начала Ольга. — Теперь понятно, почему. В творчестве, в науке, в литературе он сделал то, что никто до него не делал. Он писал картины, книги, научные труды по своим правилам. Сергей сам создавал правила и даже новые системы (такие, как рейтинг художников)»
— Она очень мужественная женщина. Маленькая, но великая. Держится усилием воли. Энергия, работоспособность Сергея — всё от мамы. Она обещает новый цикл стихотворений. Опубликую на ее сайте. Осенью планируем выставку работ Сергея. Жаль только, что некому продолжить научные исследования папы Сергея (Вольфганг Кавельмахер был архитектором-реставратором). Кроме Сергея, этим никто не занимался.
Времена обострения психического расстройства сменяются у художника спокойными периодами. Он выходит из больницы, живет в Петербурге, пишет и рисует. Но с 1906 года Михаил Александрович почти не покидает клинику. Его последние работы: «Видение пророка Иезекииля» и портрет поэта Брюсова. Брюсов вспоминал эти сеансы в больнице. «Очень мучила Врубеля мысль о том, что он дурно, грешно прожил свою жизнь, и что в наказание за то, против его воли, в его картинах оказываются непристойные сцены. “Это дьявол делает с моими картинами. Ему дана власть, за то, что я будучи не достоин, писал Богоматерь и Христа. Он все мои картины исказил”».
Много личного для Врубеля в картине «Голова Пророка». Здесь так очевидно портретное сходство. Как много перестрадал этот человек. Взгляд, исполненный боли, но и просветленный, возвышенный. Он смотрит на мир не с ненавистью и презрением, как некогда «Демон поверженный», а видя прекрасную тайну и глубину самой жизни. Поистине мукой купленное просветление.
«Искусство — вот наша религия», — как-то заметил Михаил Александрович, работая над одной из захвативших его картин. «Впрочем, — добавил, — кто знает, может, еще придется умилиться». Храм для него был прежде всего храмом искусства. Его влекло не религиозное чувство, а масштабность и монументальность церквей.
Врубель был франтом. На последние деньги мог купить дорогие духи и, стоя в глиняном тазу, обливался теплой водой с духами. Почти каждый день бывал у парикмахера. Чуть не плакал, когда манжеты хоть немного были запачканы краской. Порой жил впроголодь, но одет был всегда изысканно и элегантно. Все, что он получал за свои работы, часто тратил за один день. Шел в лучший ресторан и заказывал разные изысканные яства. Он слыл гурманом, знал марки вин, что и после чего полагается пить.
Осенью 1889 года Врубель переезжает из Киева в Москву. Он очень надеется, что в Москве у него все сложится по-другому. Врубель сходится с абрамцевским кружком и как-то быстро вписывается в московскую жизнь. Он сделался, по выражению Константина Коровина, «птенцом Москвы». Со всеми перезнакомился, был частым гостем московских богатых домов, где его общество любили. Михаил Александрович был прекрасно образован, закончил Петербургский университет, два факультета — юридический и историко-филологический, причем оба с золотой медалью, говорил на восьми языках.
Этот художник в своём завещании
Леонардо Да Винчи признанный гений, изобретатель и мастер кисти, создал еще одну загадку, разгадать, которую не способен никто, кто просто смотрит и думает. Эту картину нужно прочувствовать, и заглянуть в самую ее сущность, открыв свою душу и сердце прекрасному.
Таким образом, нормы пп. 1 и 2 ст. 1227 ГК РФ указывают на то, что право собственности и иные вещные права на материальный носитель (вещь), а также интеллектуальные права на результат интеллектуальной деятельности или на средство индивидуализации, выраженные в этой вещи, – самостоятельные гражданские права, не зависимые друг от друга.
Поскольку на изображённой даме вуаль, которая может свидетельствовать о недавней кончине кого-то из близких, улыбка воспринимается некоторыми как грустная и меланхоличная. Впрочем, вуаль может означать и что-то другое. Если предположить, что художник наделил её положительным смыслом, то выражение лица кажется лукавым, игривым.
На заднем плане, за парапетом панорамной лоджии (о чем свидетельствуют основания двух боковых колонн на парапете), на котором стоит кресло, открывается речной пейзаж с обычным для Леонардо репертуаром скалистых пиков, оврагов, отрогов. Картина Джоконда Леонардо да Винчи – один из первых в истории живописи портретов, изображающий модель на фоне панорамы. И Леонардо был одним из первых художников, кто использовал и мог изображать использовавших воздушную перспективу. Интересная особенность ландшафта в том, что он неоднороден: левая сторона несколько ниже правой. Учитывая большое внимание Леонардо к деталям, большинство экспертов уверены в том, что это не вымышленный пейзаж, а очень точное место в Тоскане, там, где река Арно вытекает за пределы сельской местности Ареццо и принимает воды в долине Вальдикьяна.
Выражение лица определено как «загадочное»: если мы посмотрим ей в глаза, нам покажется, что она улыбается, но если мы устремим взгляд на ее рот, то увидим глубокую печаль в выражении глаз. Леонардо достигает этого особого «оптического эффекта», применяя свои научные знания о центральном и периферийном зрении человеческого глаза и переводя их в живопись с оригинальным техническим изобретением «сфумато».
Впрочем, это всего один факт из истории «Портрета доктора Гаше». Известно, что после выставки «Вырождающееся искусство» в Мюнхене в 1938 году эту картину для своей коллекции приобрел нацист Геринг. Правда, вскоре он продал её некому голландскому коллекционеру, а потом картина оказалась в США, где и была, пока её не приобрёл Саито.
Начинал Ван Гог с «крестьянской» живописи вроде «Едоков картофеля». Но его брату Тео, который знал толк в искусстве и поддерживал Винсента материально на протяжении всей его жизни, удалось убедить его, что «светлая живопись» создана для успеха, и публика её обязательно оценит.
В декабре 2013 года ФБР опубликовало топ-10 громких краж гениальных художественных произведений с целью, чтобы общественность могла оказать содействие в раскрытии преступлений. Самыми ценными в этом списке являются 2 картины Ван Гога – «Вид моря в Шевингене» и «Церковь в Ньюнене», которые оцениваются в $30 млн. каждая. Обе эти картины были похищены в 2002 году из Музея Винсента Ван Гога в Амстердаме. Известно, что в качестве подозреваемых в хищении были арестованы двое мужчин, но доказать их вину не удалось.
Есть версия, что инцидент с отрезанным ухом произошёл во время ссоры Ван Гога и Гогена. Гоген, искушённый в матросских драках, полоснул Ван Гога по уху, а у того от стресса случился припадок. Уже позже, пытаясь себя обелить, Гоген и придумал историю о том, как Ван Гог гонялся за ним в припадке безумия с бритвой и покалечил сам себя.
Более 10 лет картина Винеснта Ван Гога «Портрет доктора Гаше» удерживала титул самой дорогой картины в мире. Бизнесмен из Японии Риоей Саито, владелец крупной компании по производству бумаги, приобрёл эту картину с аукциона «Кристи» в 1990 году за $82 млн. Владелец картины в своём завещании указал, что полотно после его смерти должно быть кремировано вместе с ним. В 1996 году Риоей Саито умер. Доподлинно известно, что картина сожжена не была, но где именно она теперь находится – неизвестно. Есть мнение, что художник нарисовал 2 варианта картины.
Завещание художника Левитана
Левитан много ездил по России. Он забирался в самые её глубинки и там открывал для себя поражающие сюжеты и цветовые гаммы. Он не был механическим копиистом, его картины складывались из эпизодов, которые, как в мозаике, ложились один к одному, образуя художественное полотно, запечатлённую духовность образа. Он стремился воплотить в своих полотнах тончайшие состояния природы, что удаётся только тем художникам, которые сливаются с окружающим его миром. Его не привлекали городские пейзажи, полные нарочитости, он не любил портретную живопись и полагал, что она не удаётся ему. Это можно считать преувеличением, поскольку оставшиеся после него автопортреты выполнены с большим мастерством и психологичны по своей сути. Тем не менее, фигура человека нарисована у него только в одном осеннем пейзаже, и то изобразил её по просьбе Левитана один из его товарищей-художников.
Суровая юность сказалась на характере Исаака Левитана. Он был необщителен, тяготел к одиночеству, имел мало друзей, с которыми тяжело сходился и довольно скоро порывал отношения. Он был подобно Дон-Кихоту «рыцарем печального образа», и это нашло отражение в его живописи. Из всех времён года он, как и Пушкин, больше любил осень, с её, казалось бы, одноцветьем, но громадным количеством оттенков. Были у него и весенние, и летние пейзажи, такие, как «Март», «Владимирка», «Озеро», «Весна – большая вода», «Свежий ветер. Волга». Но и в них ощущается меланхолия, печаль, с которой живописец воспринимает торжество природы, ибо ощущает её кратковременность.
Осень отвечала его душевному складу. Такие полотна, как «Золотая осень», «Сумерки. Стога», «Тихая обитель» = это апофеоз его творчества, не говоря уже о картине «Над вечным покоем», о которой речь пойдёт дальше.
За двадцать лет интенсивного творчества он создал замечательные полотна, шестнадцать из которых находятся в Третьяковской галерее. Осенние пейзажи запечатлены им более, чем в ста картинах, включая и замечательные по исполнению этюды. В них уловлены тончайшие оттенки состояния природы, это пленарная, по выражению искусствоведов, «тонко нюансированная живопись».
Исаака Левитана называют «создателем печальных пейзажей». Он соглашался с этим определением, говоря, что «пейзаж печален всегда, когда печален человек».
Писатель Константин Паустовский в своём произведении «Исаак Левитан. Повесть о художнике», рассказывая о трудной судьбе выдающегося живописца, отмечал, что Левитан был «создателем пейзажей настроения, им была присуща социально-критическая окраска, богатство поэтических ассоциаций».
В самом деле, картины Левитана оказывают гипнотическое воздействие на зрителей. В галерее они подолгу простаивали возле них, уходили и снова возвращались, настолько велика была сила их поэтического притяжения.
Любовь к женщине не обошла стороной талантливого мастера кисти. Он серьёзно увлёкся сестрой одного из своих товарищей, долго скрывал от неё своё чувство, пока, наконец, не преодолел нерешительность и не посватался к ней. Казалось бы, не было препятствий к счастливому браку. Он был уже не беден, его талант был признан всеми и, как человек, тоже отвечал всем требованиям любимой им девушки. Но Левитану в сватовстве было категорически отказано. Сказалась то самое, сословное предубеждение, в котором «нерусскость» художника сыграла решающую роль. С той поры он больше не предпринимал попыток создать семью, стал ещё более замкнут и хмур. Тесная дружба связывала его с художницей Кувшинниковой, взявшей на себя заботы о Левитане. Она ездила с ним по губерниям, выбирая места для этюдов, организовывала быт художника. Это не был гражданский брак, как предполагали некоторые, скорее это был союз двух родственных душ, живущих творчеством, для которых занятие живописью составляло смысл и содержание жизни.
Кувшинникова была замужем, но она ушла от нелюбимого мужа ради того, чтобы находиться рядом с Левитаном.
Исаак Левитан дружил с писателем Антоном Чеховым. Они признавали друг в друге больших мастеров, каждый в своей сфере. Они общались редко, но при встречах были искренни в отношениях, занимаясь, по словам Чехова, «совместной чисткой душ». Они откровенничали в беседах, приоткрывая завесы внутреннего мира.
Чехов ревниво относился к единению Левитана с Кувшинниковой, считая, что она корыстна в отношениях с художником и не стоит его. Такой большой талант всегда притягателен для эпигонов, которые греются в лучах его славы. Сильный магнит притягивает к себе железные стружки, обрастает ими и теряет ясность своей формы.
Чехов описал Кувшинникову в своей повести «Попрыгунья», выразив своё отношение к ней и понимание сути её привязанности к Левитану.
Для Исаака Левитана эта повесть явилась потрясением. Он ценил Кувшинникову и видел в ней нечто большее, чем видел писатель. А может он, полагал Чехов, принимал желаемое за действительное, поскольку был одинок, и нужно было на кого-то излить скопившиеся чувства? Возможно, Чехов как тонкий психолог был и прав, характеризуя Кувшинникову, как «попрыгунью», которая легко меняла талантливых людей, «прыгая» от одного к другому. Душевная чуткость, присущая Чехову как писателю, изменила ему на этот раз, и он не захотел отказаться от занимательного сюжета, в угоду дружбе с художником.
Нищета Левитана длилась недолго. Талант подростка был очевиден. В пятнадцать лет он написал картину «Озеро», получившую высокую оценку Саврасова. Картина была сразу же приобретена одним из коллекционеров за хорошие деньги. С того времени этюды российских пейзажей Левитана охотно раскупались любителями живописи. Молодой художник получил возможность хорошо одеваться и питаться в ресторанах, а, главное, мог целиком заниматься живописью, забыв о таком понятии, как «нужда». Но даже, начав хорошо зарабатывать, он никогда «не сорил» деньгами. Пережитые трудности приучили его к бережливости, скромной жизни, чему он оставался верен до конца своих дней. Правда, в одном он не останавливался перед тратами: помогал бедным ученикам своего Училища, которые, как и он в недавнем прошлом, боролись с нуждой, но не оставляли занятий.
В Училище за свои работы Исаак Левитан получил большую серебряную медаль. Его «нерусскость» и тут оказала ему плохую услугу. В присуждении этой медали поначалу Левитану было отказано, но Саврасов настаивал на ней. Его авторитет был высок, и он сумел добиться своего. Большая серебряная медаль была вручена талантливому пейзажисту.
Однако, его недоброжелатели всё-таки взяли своё. При выпуске из Училища Исаака Левитана сочли недостойным диплома художника, отметив, что такие дипломы вручаются только русским живописцам. И Левитан получил свидетельство школьного учителя рисования.
Окончив Училище и обретя финансовую независимость, Исаак Левитан осуществил давнюю мечту – съездил в Италию, эту «Мекку» всех живописцев. За ней последовали путешествия во Францию, Швейцарию и Финляндию. Но должные впечатления не остались в его памяти. Итальянские пейзажи напоминали ему российские лубки, покрытые крикливыми, яркими красками. Не оценил он и произведения французских художников-импрессионистов. Их картины показались ему с нарочитой чрезмерностью во всём, без должной реальности. Правда, впоследствии он положительно отозвался о художнике Мане, но его изобразительная манера не была воспринята Левитаном.
Саврасов учил молодого живописца, что лучшим наставником для таких, как он, является российская природа. Поначалу она кажется невыразительной, но в этой кажущейся безыскусственности таится великая одухотворённость. И только тот, кто видит её, способен создавать замечательные полотна.
Позднее, вспоминая этот инцидент, художник сделал запись в дневнике. «Сколь ещё сумрачно сознание народа. Необходимо шире внедрять просвещение, чтобы искоренять суеверия».
Картина «Над вечным покоем» родилась не сразу. Левитан переделывал её, добавлял детали и убирал их, стараясь добиться впечатляющего лаконизма. Она была знаковой для него. Его мучила болезнь сердца. Поначалу она давала знать о себе приступами, а потом сердце щемило постоянно. Такое заболевание сопряжено с возникающим страхом смерти. Друзья советовали обратиться к врачам, серьёзно заняться своим здоровьем, а он не решался на это. Боялся услышать диагноз, который означал бы неизбежность скорой кончины. Эта боязнь смерти, а потом и её предчувствие вылились в картину «Над вечным покоем». Грустно было осознавать, что «жребий измерен», по словам Пушкина, в то время как вечна природа с её ненастьями, которые так схожи с людскими бедами. Но ненастья преходящи, тучи разразятся грозой и уйдут, солнце снова озарит окрестности, раздробив в каплях свои лучи на множество искорок-бриллиантов. Для человека же такое озарение уже невозможно.
Написал Левитан это полотно, уже явственно осознавая скоропостижность своей жизни. Он прожил всего сорок лет.
По словам писателя и публициста Василия Михеева: «Это полотно является пейзажем-картиной. Это произведение Левитана – симфония в красках, странная с первого раза, но неуловимо охватывающая душу, стоит только довериться её впечатлению».
Картине «Над вечным покоем» тоже суждена своя вечность. Всё больше любителей живописи приходят в Третьяковку, чтобы приобщиться «к Левитану». В зале, где выставлено это полотно, образуется очередь. И если у других картин спорят и обмениваются впечатлениями, то у этой стоят подолгу в молчании, настолько сильное она оставляет впечатление. Художника уже нет в живых, а он своей картиной обращается к зрителям, призывая их ценить каждый миг жизни и беречь те вечные ценности, которые нам дарит природа. Срабатывает так называемая ассоциация восприятия, которая проявляется тогда, когда мастерство создателя достигает апогея.
Остаётся только удивляться тому, как скупо оценивали творчество Левитана искусствоведы, писателей не занимала его трагическая судьба, а ведь он оставил России неоценимое наследие. Французские художники-импрессионисты в этом отношении счастливее. Об одном только Ван-Гоге написаны десятки исследований, несколько художественных романов, а такой талантливый живописец, как Исаак Левитан, остался в тени. Ему отводились лишь краткие строки.
Вот что написал о Левитане искусствовед Алексей Фёдоров-Давыдов: «В картине «Над вечным покоем» рассматривается вопрос об отношении человеческого бытия к вечной жизни природы, и из этого сопоставления природы и следов человеческого бытия в ней и образуется столь полный возвышенной скорби и трагической героики пейзаж».
Всё верно, но достаточно ли этого, чтобы донести до зрителей анализ того, как сплав музыки, красок и подсознательных поисков образуют неповторимые картины, пронизанные ощущением вечности существования природы? Уже говорилось, что картины «У омута», «Владимирка» и «Над вечным покоем образуют драматическую трилогию, которая ещё ждёт осмысления и анализа специалистов-искусствоведов.
К слову сказать, Исаак Левитан не оценивал значимость своих картин в денежном эквиваленте. Картину «Владимирка» он подарил Третьяковской галерее, а ведь она уже тогда оценивалась в тысячи рублей. А сколько им было подарено друзьям и просто почитателям его таланта этюдов и рисунков, каждый из которых являлся художественным произведением?!
Картина «Владимирка», как и все полотна Левитана, безлюдна. Узкая дорога извилисто тянется вдоль высоких деревьев. Разбитые колеи, обочины поросли жухлой травой. Казалось бы, ничего особенного. Но это та самая дорога, по которой осуждённых гнали в Сибирь на каторгу. Она служила началом трагических судеб. И безыскусственность пейзажа, помноженная на знания о том, чем была на самом деле «Владимирка», и придавали картине трагизм, побуждали зрителей подолгу рассматривать её.
Исаака Левитана даже в малом нельзя уподабливать французским художникам-импрессионистам, хотя он также стремился сказать своё слово в живописи. Но для импрессионистов было важно передать общее впечатление от пейзажа или городского вида. Они писали в день по картине, их плодовитость непревзойдённа. Они не стремились к реалистичности изображения. Главным были яркие цветовые гаммы, без проработки деталей, зачастую гротескность фигур.
Левитан порвал отношения с Чеховым. Прежний друг для него больше не существовал. Он вычеркнул Чехова из своей жизни, никогда в дальнейшем не упоминал о нём и избегал возможных встреч. Левитан стал ещё более сдержанным, редко улыбался, а Кувшинникова по-прежнему находилась рядом с ним, делая вид, что повесть Чехова её ничуть не затронула и написана вовсе не о ней.
Чехов переживал отчуждение Левитана. Он корил себя за эту повесть, пытался объясниться с Левитаном, дать понять, что героиня повести вовсе не Кувшинникова, это в большей степени совпадение. Героиня повести – собирательный образ, таких в жизни не единицы. Чехова увлекли многозначность и психологизм сюжета, потому он и не смог отказаться от него.
Но Левитан не пожелал встретиться с Чеховым и выслушать его объяснение. Он не увидел в желательном примирении искренности. Чехов написал большое письмо Левитану, в котором сообщал, что героиня повести собирательный образ, нечто схожее с картинами самого художника, которые создавались не одному этюду, а по целому ряду зарисовок и впечатлений.
Письмо вернулось к Чехову непрочитанным. Писатели и художники, близкие к Чехову и Левитану, пытались примирить их, но художник не принимал никаких увещеваний. Он замыкался в себе при разговорах о Чехове, или просто уходил. Этот кризис душевного состояния явственно сказался и на творчестве художника.
Такое отчуждение длилось до самой смерти Левитана. Когда ему оставалось жить считанные дни, Чехов пришёл навесить бывшего друга. На этот раз Левитан не оттолкнул писателя. Они говорили о разном, не касаясь затянувшейся вражды. Левитан попросил Чехова дать ему кусок картона, и тут же, в присутствии писателя, лёжа в постели, написал вечерний пейзаж, проникнутый хмуростью уходящего дня. Эта картина была пронизана ощущением собственного ухода из жизни. Она была свидетельством примирения. Чехов вставил картину в рамку и держал её на письменном столе до собственной кончины.
Многие искусствоведы, анализируя творчество Левитана, отмечали меланхолию, которой веет от его картин, стеснённость в душе и печаль, которые охватывают зрителей, созерцающих его полотна. Но никто не смог внятно объяснить, как же это получалось у художника, как настрой души запечатлевался его кистью? Должно быть, это происходило на уровне подсознания, но каков механизм исполнения? Рисунок реалистичен, без той вычурности, которая присуща произведениям французских импрессионистов, таких, как Сезанн, Ван-Гог, Гоген и другие. Может быть, секрет в красках, но и тут не проглядывало ничего особенного. Да, краски не столь ярки, как у импрессионистов. Тона приглушены, мазки гладкие, не столь отчётливые, как, скажем, у Рембрандта, но подобное можно видеть в картинах и других живописцев. Этот секрет так и остался секретом Левитана, и до сих пор не получил внятного толкования ни искусствоведов, ни психологов.
К слову сказать, подобных явлений было немало в изобразительном искусстве. Когда впервые художник Архип Куинджи выставил свою картину «Лунная дорожка на Днепре», вокруг неё сразу же разгорелись споры. Как живописцу удалось с предельной выразительностью передать лунный свет? Картину рассматривали даже с обратной стороны, подозревая, что там установлена подсветка. Строились догадки, что художник изобрёл особые «лунные краски», секретом изготовления которых ни с кем не хочет поделиться. Сам же художник на расспросы подобного толка только пожимал плечами и показывал свою палитру, на которой были те же самые краски, что и у других художников. Были попытки других мастеров написать столь же выразительный лунный пейзаж, но такого эффекта, как у Куинджи, достичь не удавалось никому. Наверное, это и есть проявление высочайшего искусства.
Три картины Левитана «У омута», «Владимирка» и «Над вечным покоем» образуют драматическую трилогию, но при этом, картина «Над вечным покоем» заслуживает особого рассмотрения.
Вот как описывают её искусствоведы: « … С косогора, где тёмные берёзы гнутся под порывистым ветром, и стоит среди них бревенчатая церквушка, открываются даль глухой реки, потемневшие от ненастья луга. Широкое облачное небо нависает над взволнованной водной гладью, тёмные тучи, напитанные холодной влагой, нависают над землёй. Косые полосы дождя закрывают притихшую даль. Кажется, ещё немного и толщу туч прорежут вспышки ярких молний, рокот грома взбудоражит окрестности …»
Никто из художников до Левитана не передавал с такой печальной силой неизмеримые дали русского ненастья, не воплотил в них извечную печаль холодной и томительной непогоды.
«Над вечным покоем» – одна из самых значительных работ Левитана, о которой он сам писал Павлу Третьякову: «В ней – я весь со всей своей расстроенной психикой, со всем своим содержанием». Эту картину Левитан писал под звуки «Траурного марша» из «Героической симфонии» Бетховена. Под эту печальную музыку рождалось созвучное произведение, которое один из друзей художника назвал «реквием самому себе». И опять же тут напрашивается аналогия с Моцартом, написавшим реквием на заказ и ставший прощальным произведением самому композитору.
В другом письме Левитана Павлу Третьякову можно прочесть следующие строки: «Вечность, грозная вечность, в которой потонули поколения и потонут другие … Какой ужас! Какой страх!»
Именно об этой грозной вечности, её равнодушии к людским поколениям и к каждому человеку, каким бы одарённым он ни был, и заставляет задуматься картина «Над вечным покоем». Это философское произведение, в котором сплавились воедино музыка, краски и мастерство живописца, достигшего вершины в своём призвании.
Всякое новшество не сразу оценивается современниками. Картина «Над вечным покоем», вобравшая в себя печаль души художника, осознание безысходности людского бытия, поначалу вызывала отрицательные толки ценителей живописи, да и самих художников. Левитана упрекали в том, что его полотно непонятно: «Река это или озеро? Откуда взялись церковь и кладбище, если на мысе нет селения? Тяжёлые грозовые тучи на горизонте выписаны чёрной краской, без полутонов, и больше походят на нагромождение скал …» Подобные упрёки можно приводить и дальше, и в них больше слышится предвзятость, без желания вникнуть в потаённый замысел художника.
Но логика полотна очевидна. Конечно же, селение на мысе было, это, очевидно, коли на нём осталось кладбище. Деревянные домишки частично разобрали, переселяясь на новое место, другие обветшали и развалились, превратившись в труху. Осталась церквушка, но и та доживает последние годы. Суть даже не в этих деталях, а в том настроении, которое передал в полотне художник, в том показе неизменности этой части природы и кратковременности жизни человека и того, что создаётся его руками.
Кладбище оставляет тяжёлое впечатление. Оно давно заброшено, могильные холмики сравнялись с землёй, деревянные кресты потемнели и покосились, едва заметная тропинка заросла травой. О том, что жизнь здесь всё-таки теплится, говорит слабый огонёк, едва заметный в окне церкви. Должно быть, тут коротает свой век одинокий священник. И этот огонёк в окне, и заброшенное кладбище как раз и образуют тот контраст между гибелью и стремлением сохраниться, который побуждает задуматься о вечности и том огоньке человеческой жизни, находящихся в противоречии одно с другим.
Сам Исаак Левитан относился спокойно к критическим замечаниям в свой адрес. «Этой картиной я сказал то, что вызрело в моей душе, и это главное. А в остальном, у каждого своё мироощущение».
Картина «Над вечным покоем» создавалась не с одного этюда. Это сборное полотно. Озеро – это Удомля близ Вышнего Волочка. Ветхая деревянная церковь привлекла внимание художника в одном дальнем селе, в котором жило не больше ста человек. Кладбище было зарисовано в поездке и поразило Левитана тем, что последнему приюту людей тоже присуще умирание.
Позднее, рассматривая этюд озера, запечатлённого с верхней точки, художник подумал, что хорошо компонуются вместе и само озеро, и церквушка, и кладбище. А фоном для них могут послужить простор и приближающаяся гроза. Это походило на то, как, если в насыщенный солевой раствор добавить ещё ложечку соли, и тогда происходит кристаллизация раствора.
Так реализовался замысел картины «Над вечным покоем».
Поездки по губерниям и зарисовки этюдов не обходились без комических случаев. Во Владимирской губернии Левитан и Кувшинникова остановились в одном селе. Места вокруг были живописными. Устроились в крестьянской избе, день отдохнули и отправились писать этюды. Река с крутыми берегами, дубовая роща, извилистый просёлок, с едва заметными колеями, и глубокая синь неба, с редким разбегом облаков привлекли внимание живописца.
Он работал с увлечением и не заметил, что его обступили деревенские мальчишки. Они смотрели, как на полотне рождается пейзаж, а потом с криками побежали в село. Вскоре вернулись и привели троих мужиков. Бородатые, суровые мужики подступили к художнику.
– Ты пошто реку портишь?
– Чем? – удивился Левитан.
– Да вот, – один из мужиков потыкал пальцев в этюд. – Вишь, река у тебя в точь, как настоящая … Стало быть, заражаешь её красками, травишь, и потом в ней вся рыба перемрёт. Вода из реки текёт тебе на полотно, а потом сбросится обратно. Давай, оставь это дело.
Левитана удивило такое толкование живописи. Его попытка объясниться с мужиками не дала никакого результата. Они были озлоблены «порчей реки» и стояли на своём.
– Сейчас за старостой сходим, он тебя вразумит.
Левитан с Кувшинниковой не стали дожидаться старосты. Они быстро собрали свои пожитки, добрались до тракта и уехали на попутной телеге.
Напутствие художнику — 2
Между тем, воздержитесь от того, чтобы имитировать предшественников. Уважая традицию, умейте отличить в ней извечно плодотворное: Любовь к Природе и искренность, эти две страсти гениев. Все они питали восхищенное отношение к Природе и никогда не лгали в искусстве. Так традиция протягивает вам ключ, благодаря которому вы сумеете избежать рутины. Сама традиция рекомендует вам постоянно сверяться с действительностью, и она же запрещает вам слепое подчинение какому бы то ни было мастеру.
Почти все наши скульпторы напоминают этих ваятелей с итальянских кладбищ. Глядя на памятники, установленные в общественных местах, различаешь лишь рединготы, столы и столики, стулья, колбы, телеграфные аппараты. В этом крупица внутренней правды, а значит, и искусства. Страшитесь подобного хлама.
Чрезвычайно важно — быть взволнованным, любить, надеяться, трепетать, жить. Быть человеком, а затем уже художником! Подлинное красноречие смеется над красноречием, сказано у Паскаля. Подлинное искусство смеется над искусством. Вновь прибегну к примеру Эжена Карьера. Большая часть картин на выставках всего лишь живопись; на их фоне его картины — это окна, распахнутые в жизнь!
Не тратьте времени, приобретая светские или политические связи. Вам известно, что многие ваши коллеги благодаря интригам достигают почестей и богатства, — однако их нельзя отнести к истинным творцам. Между тем некоторые из них весьма умны, и если вы вознамеритесь сражаться с ними на их территории, то потратите на это столько же времени, как и они,- иными словами, всю вашу жизнь: борьба не оставит вам ни минуты для того, чтобы быть художником.
Вы, художники, так же как и скульпторы, всматривайтесь в глубь действительности. Посмотрите, к примеру, на портреты кисти Рафаэля. Когда этот мастер представляет портретируемого в фас, грудь его изображается несколько скошёно, что дает иллюзию третьего измерения.
Этот художник в своём завещании
Демон. Почему-то на протяжении всей своей творческой жизни Врубель возвращался к этому образу. И каждый раз на холсте являлся другой, не похожий на предыдущего: в его лице то одиночество и тоска, то отчаяние. И, наконец, появился последний, «Демон поверженный» — в нем уже лишь злоба и холод. Знобит от его взгляда. «Верится, что Князь мира позировал ему, — говорил Александр Бенуа. — Эти сеансы были сплошным издевательством и дразнением. Врубель видел то одну, то другую черту своего божества, то сразу и ту, и другую, и в погоне за этим неуловимым он стал быстро продвигаться к пропасти».
«Я не мог разгадать, но что-то звериное в сердце зрителей чувствовалось, — вспоминал Коровин. — Я слушал, какие проклятия несли они, глядя на эти панно. Михаил Александрович еще больше убедился в своем непризнании и еще больше почувствовал себя сиротой этой жизни».
Врубель надеялся, что картину приобретет Третьяковская галерея. Друзья-художники, от которых зависело приобретение его заветной картины, критикуют неправильную анатомию в изображении фигуры Демона. Врубель был в бешенстве. Потеряв всякий такт, он откровенно оскорблял Серова, Остроухова и даже свою жену. Остроухов, член Художественного совета Третьяковской галереи, писал по этому поводу:
И все-таки даже в картинах-сказках Врубеля виден второй план — тревожный и жутковатый. Есть двойственность и лукавость во врубелевском «Пане». Он добродушный старичок-лесовичок или колдовской леший с прозрачными глазами, обернувшийся из древесной коры и корней?
Казалось, ничего демонического в Михаиле Александровиче Врубеле не было. Был в нем большой талант, а в душе бушевали большие страсти. Константин Коровин рассказывал: как-то летом они с Врубелем пошли купаться, и Коровин увидел у приятеля на груди большие белые полосы, как шрамы. На вопрос, что же это, Михаил Александрович ответил, что резал себя ножом. «Не знаю, поймете ли вы меня, я любил женщину, а она меня не любила, даже любила, но многое мешало ее пониманию меня. Я страдал, а когда резал себя, страдания уменьшались». Речь шла об Эмилии Праховой.
Затем, с 1513 по 1515 год, он уходит на службу к Джулиано Медичи (того самого, чьей возлюбленной была Симонетта Веспуччи ). После смерти Джулиано, Леонардо да Винчи принял приглашение Франциска I и уехал во Францию, куда прибыл в начале 1516 года. Он остановился в поместье Кло-Люсе, недалеко от Амбуаза, где скончался 2 мая 1519 года. Ему было 67 лет.
Леонардо нужно было привлечь внимание Лодовика Моро, герцога Милана. Он пишет ему письмо, в котором перечисляет головокружительную серию машин и военных устройств, которые намеревается создать. В этом письме возникает атмосфера научной фантастики, Леонардо позволил себе увлечься своим необузданным воображением, и не без оснований, упоминая о своих многочисленных талантах инженера, архитектора, художника и скульптора. Также да Винчи пообещал сделать самую большую конную статую в мире, которая должна была стать памятником отцу герцога, Франческо Сфорца. Это был верный ход.
У него не было доступа к великим литературным и научным текстам, написанным на языке Цицерона. Он не знал латыни и не изучал гуманитарных наук и смог получить только начальное образование. Но это не помешало пытливому уму превратить отсутствие знаний в актив для самого себя. Даниэль Арасс — французский историк искусства и культуры, теоретик визуальности, специалист по итальянскому Ренессансу, говорил про Леонардо так : “Не считая Бога, Леонардо да Винчи – творец, о котором больше всего написано” и подчеркнул, что он первым сделал зрение, а не слух, предпочтительным способом приобретения и передачи знаний. Невероятный путь, состоящий из взлетов и падений, ошибок и открытий, Леонардо начал в середине 1460-х годов, когда поступил в ученики к скульптору Андреа Верроккьо во Флоренции.
В 1863 году Арсен Уссе, писатель и искусствовед, проводит раскопки на месте бывшей церкви. В ходе своих исследований он обнаружил гравированный камень, на котором была отрывочная надпись «EO […] DUS VINC”. Затем Уссе эксгумировал почти весь скелет, череп которого, по его словам, мог принадлежать только художнику. В 1874 году предполагаемые останки Леонардо были перезахоронены в часовне Сен-Юбер в замке Амбуаз, построенном в 1492 году. Погребальная плита сегодня украшена медальоном, а бюст Леонардо, сделанный в 19 веке, отмечает место, где раньше находилась церковь Сен-Флорентин. Некоторые ученые полагают, что останки художника в годы революционных потрясений были безвозвратно утрачены.
Около 1477 года художник открыл во Флоренции собственную мастерскую, однако конкуренция была слишком высока и перспективы в столице Тосканы неясны. В 1482 году Леонардо принимает решение уехать в Милан. Он был представлен при дворе Ломбардии как музыкант — Леонардо талантливо играл на лире. “Как человек, от природы наделенный духом возвышенным и полным очарования, он божественно пел, импровизируя под ее сопровождение”, “блеском своей наружности, являвшей высшую красоту, он прояснял каждую омраченную душу …” — писал Вазари. И правда, современники описывали Леонардо элегантным, учтивым и очень приветливым человеком, испытывающие удовольствие от разговора с ним.
Подобную робость наследниц художника совершенно не одобряет его старый приятель Гена (Владимир Ильин). Он является к женщинам, чтобы настроить их бороться за свою долю имущества Иваницкого. И есть за что. Загородный дом, две квартиры, пара заграничных вилл, яхта, коллекции икон и фарфора, стоящие целое состояние, парк уникальных автомобилей, ну и, конечно, его собственные картины. Саша не в состоянии больше мыкаться в нищете и решает воевать.
Но похоже, что Анне Федоровне придется иметь дело не только с первой женой и дочерью супруга. В его жизни была еще одна любовь. Лера (Лариса Гузеева) все это время была в тени, но теперь ее никто не остановит. Она устала скрывать, что именно с ней Иваницкий провел свои лучшие времена. У Леры есть сын от Иваницкого, и спесь его законной супруги она уже не выдерживает. В прессе появляются заказанные ею очерняющие семью почившего статейки.
В другом доме Владимира Григорьевича поминают гораздо скромнее. Галина Васильевна (Ирина Скобцева) в своем роде тоже вдова, но ее брак с художником давно прекратил свое существование. Они с дочерью Иваницкого Сашей (Тамара Акулова) считают копейки, горбатятся на нескольких работах, а по ночам таксуют, чтобы выжить. Внук Иваницкого Андрей (Антон Храпов) деда не признает и смертью его не расстроен.
Через три недели будет оглашено завещание художника. Что узнают наследницы о своих шансах? Смотрите продолжение истории 24 марта в 01:05.
В фильме также снимались Лидия Смирнова, Александр Балуев, Анатолий Лобоцкий, Валерий Гаркалин и Кахи Кавсадзе.
Этот художник в своём завещании
Кайботт не сомневается, что место импрессионистов в Лувре. С тех пор как он узнал художников этого направления, им куплено немало их полотен. Этим полотнам он тоже хочет обеспечить достойную судьбу. Он приносит их в дар государству. «Но, – уточняет Кайботт, – так как я желаю, чтобы мой дар очутился не где-нибудь на чердаке или в провинциальном музее, а только в Люксембургском музее и позднее в Лувре, то желание это должно быть выполнено по истечении определенного времени, необходимого для того, чтобы публика, я не скажу поняла, но хотя бы приняла эту живопись. На это может уйти двадцать лет и более. А до той поры указанные полотна должны храниться у моего брата Марсиаля, в случае же его смерти у кого-либо другого из моих наследников».
Гюстава поражало стремительное развитие Парижа, и в его лице город нашел своего преданного исследователя. Кайботт любил писать улицы и площади под высоким углом зрения (влияние японской графики), а иногда виды сверху откровенно перерезались перилами балконов, или вовсе представляли собой «портрет» балконной решетки, через которую лишь угадывалась уличная суета. Характер построения изображения выявил интерес Гюстава к фотографии, и был, возможно, «подсмотрен» у брата Марсиаля, талантливого фотографа и пианиста.
Именно этим летом Кайботт познакомился с Моне, Ренуаром, а затем и со всей группой импрессионистов. Плененный их талантом, он старается, насколько это в его силах, облегчить им существование. Худощавый шатен с тонким, бледным лицом и задумчивыми серыми глазами, Кайботт отличается исключительным изяществом и благородством манер, чему соответствуют высокие моральные качества: широта ума сочетается в нем с терпимостью, искренность — со сдержанностью, скромность — с обязательностью. С новыми друзьями он ведет себя как меценат, зачастую предоставляет им кров и пищу, одалживает и дарит деньги и, что всего важнее, приобретает их полотна.
Оставшиеся 29 картин (одну картину кисти Дега забрал Ренуар в качестве оплаты за свои услуги душеприказчика) предлагались французскому правительству ещё дважды — в 1904 и 1908 гг., и оба раза был получен отказ.
Когда в 1928 году правительство наконец решило заявить свои права на коллекцию, этому воспротивилась вдова брата Кайботта, Марсиаля [их младшая дочь Женевьева унаследовала большинство непроданных картин Гюстава Кайботта].
Гюстав обучался в престижном лицее Луи-ле-Гран, затем изучал право в Сорбонне (защитился в 1868 году).
В 1870 году он получил лицензию на юридическую практику. Имел он также инженерное образование.
Вскоре Гюстава призвали на военную службу. С июля 1870 по март 1871 года он служил в Национальной гвардии и принимал участие во Франко-прусской войне.
Никола Пуссен был женат. Супругу он встретил в Риме: Анн-Мари оказалась француженкой, дочкой кондитера. В 1629 году, когда художник серьезно заболел, семья Дюге взяла на себя заботы о его здоровье. За время пребывания в их доме живописец обратил внимание на старшую дочь хозяина и после выздоровления обручился с ней.
Его мировоззрение перевернулось после того, как молодой человек оказался в Лувре. Увидев картины итальянских художников эпохи Возрождения, Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти, очаровался ими. Именно тогда созрело решение отправиться в Рим, оттачивать мастерство, искать собственный путь в искусстве.
О детских, отроческих годах Пуссена сохранились отрывочные данные. Точная дата его рождения неизвестна: церковно-приходские книги, хранившие информацию о новорожденных, были утрачены. В литературе упоминается 15 июня 1594 год, но это лишь условность. Сам художник в одном из писем утверждал, что появился на свет в 1593 году. Его родина – местечко Лез-Андели в Нормандии.
В 1640 году слава Пуссена достигла Франции. Людовик XIII пригласил художника ко двору, сделал его королевским живописцем. Но уже через 2 года мастер вернулся в Рим: предлагаемая французским монархом работа показалась мелкой, скучной, а придворные постоянно плели интриги против нового фаворита.
Никола Пуссен (1594-1665 г.г.) – французский художник, живописец, основоположник классицизма. Его полотнам свойственна ясность, четкость линий, тщательно выверенная композиция. Впоследствии методы работы Пуссена были положены в основу обучения Королевской академии живописи и скульптуры в Париже.
Ему хорошо платили, и он мог позволить себе не торговаться – гонорары были более чем приличными. Но щедрость покровителей когда-нибудь заканчивается. Рембрандт привык жить на широкую ногу. К тому же, занятия живописью стоили немалых денег. Так что некогда знаменитый художник, изменивший собственному стилю написания картин, постепенно нищал.
Странный выбор имени, и ребенок рос странным: непослушным, нудным, неприятным. Учиться не хотел, тем более не хотел учиться вдали от дома. Его сложный характер приводил к частым затяжным депрессиям, во время которых у него опускались руки и он не мог работать.
Последний год его жизни прошел в абсентном угаре. Художнику уже было все равно: его психическое здоровье подорвано, он перестал бороться и застрелился. А зря. Его стиль уже тогда начал набирать обороты и надо было немножко потерпеть. А сейчас картины великого голландца занимают первые места по стоимости в мире. 80-90 миллионов долларов – вот примерные сегодняшние цены на его работы.
В последние свои годы Рембрандт жил с сыном на окраине еврейского квартала в Амстердаме. Но и сын умер, и жена, оставившая сиротой дочь. Художник ушёл из жизни совершенно без денег и был похоронен на кладбище для бедняков. Где находится его могила – неизвестно.
Но за право обладать его картинами люди готовы отдать многое. Возрождения былой славы художник бы не дождался. Пика стоимости его картины достигли только через два столетия. А в 2023 году свадебный портрет Мартина Сулманс и Опджен Коппит вошли в десятку самых дорогих картин мира. Лувр совместно с Рейксмюзеумом Амстердама выкупили ее за 180 000 000 долларов.
12 Авг 2021 uristgd 273